Ahí les va una primera versión de esta reflexión sobre la danza activa vs. danza pasiva.                Espero sus comentarios !

Work in progress. Translation soon!

no buscar la forma sino el movimiento

“formalismos”
Quizá debamos partir por preguntarnos qué es la danza y qué es el movimiento. Saber que entre ellas hay un estrecho puente que se junta y se aleja, que se vuelve paralelo y opuesto a cada instante. Podemos encontrar mil definiciones abstractas sobre una y otra pero lo que me interesa poner en claro es que parten de lo mismo, ese flujo corporal inevitable, aunque su visión sobre lo inmediato hace que sean muy distintas entre sÍ. La danza tal cual la conocemos actualmente nos plantea una estructura formal sobre la estética que es absolutamente relativa a los parámetros sociales y culturales de donde se produce, es decir, por ejemplo la danza folklórica mexicana, la danza de carater rusa, la danza tradicional de los balcanes, hindú, así mismo como otros arquetipos como el ballet clásico, la danza moderna e incluso ciertas técnicas contemporáneas, cuyas estructuras sobre el “deber ser” de la danza resultan específicas. Mientras que, por otro lado de la espiral, el movimiento es esencial a la vida, ergo hay inmanentemente una necesidad del hombre por expresarse a través del cuerpo y encontrar en ello una libertad en el lenguaje que resulta, al parecer inmanente, a su naturaleza.    El movimiento habla de manera más universal sobre algo, un tanto más metafísico, sobre la naturaleza del hombre y su relación con el mundo y el cosmos, que atañe directamente a la persona en cuestión ( el bailarín, objeto y sujeto del movimiento, sin ir más allá  significa tan sólo una conciencia que está bloqueada desde la ejecución del automatismo en lo cotidiano) para que pueda expresarse en cualquier momento sin necesidad de estar en un escenario x con un vestuario y. Es en este sentido que el movimiento deviene lo que somos, somos el movimiento y somos capaces de representar y habitar diferentes ciclos de la vida humana desde él y a través de un conocimiento empírico sobre nosotros mismos. Es pues, el movimiento, predecesor absoluto y necesario de la danza: como forma estilizada de expresión de todo aquello que se nos presenta como real en tanto humanos y que algunos, a través del movimiento somos capaces de comprendernos mejor, tanto a nosotros mismos como al otro y al complejo cuerpo social al que pertenecemos ;

Se dice que para construir un futuro no se puede olvidar el pasado, y de la misma manera la danza, estética y formal, no puede olvidar sus raíces en el movimiento per se, pues es su contennaire primario.

“societé”
Sin embargo muchas veces, y subordinados por la sociedad moderna en la que vivimos, donde existe una fanática idolatría y primacía hacia lo racional, influenciadas por la dicotomía platónica sobre el cuerpo y la mente y siguiendo la tradición católica apostólica romana, donde el cuerpo es sólo y únicamente fuente del pecado y no de conocimiento. Se llega a malinterpretar entonces al extremo una exclusión al cuerpo ( que y sin embargo se mueve, y sin embargo somos…). El cuerpo ha sido visto como “algo” separado de lo que somos y que representa lo negativo, el ocio, lo inútil ante las “verdades progresistas” del hombre moderno. ¿Pero acaso no es también una fuente de conocimiento que nos habla a veces con mayor profundidad sobre nosotros mismos y nuestras dudas y temores? El cuerpo a través del movimiento denuncia lo que percibimos como irónico de la “realidad” habitual y que no somos capaces de ver de otra forma porque la cultura nos a impuesto un juicio sobre el “bien y el mal” y estamos habituados a tener una sola perspectiva sobre las cosas. El movimiento y el cuerpo son liberadores del control que tiene el sistema sobre las pulsiones y distintas sensibilidades del los sujetos en sus sociedades. En este sentido resultan controversiales pues tienen la capacidad de abrir todas las puertas y romper todas las cadenas sobre esto que llamamos realidad y que de alguna manera sin buscar el hilo negro nadie sabe si es la política, las fluctuaciones de mercado y sus intereses, la globalización y el capital lo que quiere definir constantemente lo que es real y lo que no.  De aquí que considero que el cuerpo resulta a priori subversivo.

“estar presente”
Ciertas técnicas somáticas y posmodernas de la danza, experimentan con esta posibilidad de conciencia y liberación de muchas tensiones, traumas y lesiones causadas con el paso del tiempo. El intérprete debe a estar relajado y alerta al mismo tiempo, un cierto estado en el que se producen ondas alfa y somos capaces de ser perceptivos, conscientes al máximo sobre el momento presente con el fin de ser capaz de improvisar en cualquier momento. Siendo capaz de actuar más allá de sí mismo, y de su ego,en pro de una propuesta estética o de la acción presente, con la cuales se sienten en el mejor de los casos involucrados y también confrontados. Técnicas tales como el Contact-Improvisation, uno se encuentra vulnerable ante lo que que se “es capaz de hacer” ante lo que resulta necesario para completar la propuesta y de la misma forma desde un lenguaje corporal funcional y orgánico, que desafian constantemente la capacidad creativa espontánea en cada uno de los intérpretes con un objetivo común.

Otra técnica que me gustaría mencionar, pues no puedo estar sino más que fascinada con su método es; Gaga Technique creada por Ohad Naharin, director de Batsheva Dance Company en Israel que trabaja desde la propiocepción de los danzantes, bailarines o no, Gaga está abierto a cualquiera y es capaz de generar una nueva atmósfera y estado mental en el ejecutante desde el inicio. Haciendo de la danza un viaje corporal infinito y desde mi muy personal opinión al ser honesto en quién lo realice se puede volver también infinitamente poético, bajo la premisa de que lo auténtico resulta bello en sí. La simplicidad de la verdad y una belleza de alguna manera intrínsecas.Y también creo bajo la premisa de quitar las tantas máscaras con las que la modernidad ha crecido  así como todas esas “restricciones” y lineamientos sobre el comportamiento del cuerpo que no tiene nada que ver con lo que realmente este es, siente y vive. En el momento en que somos uno en cuerpo, mente y espíritu tenemos todo el potencial de evolucionar auténticamente hacia un mejor plano de la vida cósmica que se manifiesta en todos nosotros …¿qué opinan?

Es interesante mencionar que este tipo de técnicas han nacido desde otras técnicas cuya raíz no es la “Danza formal” sino desde imágenes, de un movimiento más “auténtico”  o inclusive  a partir del sonido, como en Continuum Movement de Emilie Conrad, cuyos principios remiten a la emisión de sonidos que nos permiten reconectarnos con el fluido que esencialmente somos en el cuerpo y desde él. Técnicas como el BodyMind Centering, Feldenkraisse, Alexandre Technique, Aikido, Tai Chi, Yoga etc. abren definitivamente la puerta a un conocimiento sobre el cuerpo que no está en los parámetros formales de la danza clásica y moderna tal como la conocemos y heredamos. Me parece interesante dejarse explorar por este tipo de trabajos, en tanto intérprete, pues son definitivamente conocimientos a diferentes niveles, que cambian el como se vive el día a día a partir del conocimiento de lo que somos, un cuerpo sensible, capaz de tener y desarrollar su propia inteligencia y expresión, que va más allá de la razón y de todo automatismo.

“corpo”
el cuerpo es sensible y es capaz de generar una gran fuente de percepción y de diálogo inmediato con el otro. Es una puerta infinita a la comunicación y a otros niveles de entendimiento entre nosotros mismos. la capacidad de un bailarín de generar algo de la nada resulta poético sin embargo al desarollar su potencial es claro que la transmisión del mensaje expresado desde el cuerpo será más específica, más acertada más honesta. Para ello confío en que para lograrlo el camino debe ser también orgánico y muy dinámico como una danza misma, funcional relativo a los parámetros de cada quién pero más allá de eso, de alguna manera, conectando, gracias a este tipo de estados que se logran gracias a las “situaciones” performaticas o a estas técnicas somáticas, con uno mismo de una manera auténtica y ciertamente dalcroziana.

Autora: Shimena García aka _tanzerinja*
Tel Aviv-México, septiembre 2010

“SOBRE LA PRODUCCIÓN EN LA DANZA. TEORÍA Y PRÁCTICA”
El cerebro y el corazón andantes. . .
EXTRACTOS por jIMENA GARCÍA m.

principios

Ante la pregunta de si existen cualidades de convergencia entre la teoría y la práctica de la danza es posible afirmar que esta ha sido fuente de disputas en el campo de la estética y en todas las disciplinas. Generando siempre el replanteamiento de la teoría cuando su apego a la realidad resulta vacuo o resignificando la realidad cotidiano a partir de valores empíricos.

Considero que en la aportación de teorías somáticas, ya desde los años `60 y mayormente popularizados durante los `70 y `80 sobre todo en EE.UU. y Canadá, hay un enriquecimiento social, muy valioso sobre la consciencia corporal en una época donde el sistema económico occidental intenta justamente eliminar el poder significante y revelador del cuerpo para transformarlo en fuerza de trabajo mecánica y controlable. Estás teorías como son la Técnica Alexander, Método Feldenkrais, Continuum Mouvement, Contact-Improvisation, Release, Pilates, Bartenieff etc…son propuestas holísticas sobre el sujeto corporal en acción ó intérprete, o cualquier persona que quiera abrir una puerta a ese ludismo innato que existe en el cuerpo y en la interacción de dos o más cuerpos en un espacio y un tiempo determinados. Tales teorías hablarán de que la máxima expresión de las virtudes en potencia se dará únicamente al crearse una integración absoluta de las diferentes cualidades del hombre.

En el caso particular de la danza hay algo de único en la cadena productiva entre la teoría y el producto puesto que todo se vuelve una misma cosa. El bailarín debería ser la integración de tales principios ligados a la experiencia de lo cotidiano, que es su realidad histórica. El proceso creativo del bailarín resulta único en el sentido de que a diferencia de la música, en la danza el intérprete y el instrumento son lo mismo, siendo que tampoco hay separación entre mente, cuerpo y espíritu sino la danza como un acto sobre la culminación de ésta integración, que habla sobre la fusión entre el cuerpo (intérprete e instrumento) y la composición coreográfica. Si en verdad es auténtico tendrá algo de universal que podremos identificar en cualquier parte del mundo.

Existe el debate también sobre si la interpretación debe buscar tan sólo la neutralidad del estado corporal, un poco como en el butoh, para hacer nacer de ahí el verdadero significado de la obra, siendo ésta la única interpretación válida posible, o aquella un tanto más romántica, que exige aún al artista tener un cofre de emociones y experiencias a las cuales podrá acudir en el momento que la obra lo demande, siendo que la interpretación será desde luego un tanto subjetiva, pero mucho más humana. ¿Interpretación es neutralidad?

_tanzerinja*

Mtl/ 09

“HIELO LISO,

UN PARAÍSO

PARA QUIEN BAILAR QUIZO”

* * *

¡Y ved, amigos míos! Aquí, donde está la caverna de la tarántula, levántanse hacia arriba las ruinas de un viejo templo – ¡contempladlo con ojos iluminados! ¡En verdad, quien en otro tiempo elevó aquí en piedra sus pensamientos como una torre, ése sabía del misterio de toda vida tanto como el más sabio! Que existen lucha y desigualdad incluso en la belleza, y guerra por el poder y por el sobrepoder: esto es lo que él nos enseña aquí con símbolo clarísimo. Igual que aquí bóvedas y arcos divinamente se derrumban, en lucha a brazo partido: igual que con luz y sombra ellos, los llenos de divinas aspiraciones, se oponen recíprocamente – ¡Así, con igual seguridad y belleza, seamos también nosotros enemigos, amigos míos! ¡Divinamente queremos oponernos unos a otros en nuestras aspiraciones! ¡Ay! ¡A mí mismo me ha picado la tarántula, mi vieja enemiga! ¡Divinamente segura y bella me ha picado en el dedo! «Castigo tiene que haber, y justicia -así piensa ella: ¡no debe cantar él aquí en vano cánticos en honor de la enemistad!» ¡Sí, se ha vengado! Y ¡ay!, ¡ahora, con la venganza, producirá vértigo también a mi alma! Mas para que yo no sufra vértigo, amigos míos, ¡atadme fuertemente aquí a esta columna! ¡Prefiero ser un santo estilita que remolino de la venganza! En verdad, no es Zaratustra un viento que dé vueltas, ni un remolino; y si es un bailarín, ¡nunca será un bailarín picado por la tarántula! - Así habló Zaratustra. Friedrich Nietzsche Trad. A. Sanchez Pascual, Alianza Editorial y Poemas. Ed. Poesía Hiperión.2007 pág 59.